Nunca he comprendido a los diseñadores web que no tienen ningún porfolio online en absoluto. La mayoría suele poner como excusa la falta de tiempo, te dicen que están trabajando en ello o que como no buscan empleo no lo necesitan. La verdad es que a mí siempre me huele a una falta total de compromiso con su trabajo, yo desde luego nunca contrataría a un diseñador que no tuviera ningún tipo de información online. Es cierto que la mayoría de los diseñadores nos solemos estancar en un bucle infinito a la hora de desarrollar nuestra web personal pero existen opciones muy dignas que nos permiten tener una presencia online mientras dura el parto del porfolio definitivo.

Redes creativas

Existen muchas webs que funcionan como plataformas para que los creativos expongan sus trabajos y ganen visibilidad. La mayoría tienen un diseño muy cuidado y sencillo, aceptan distintos formatos de archivos (incluido audio o vídeo) y permiten mostrar tus trabajos a gran tamaño. Mi favorita es Behance pero otras opciones son Computer love o Domestika (aún en construcción). Darte de alta en alguna de ellas, rellenar algunos datos personales y subir unos cuantos archivos apenas lleva una tarde.

Web minimal

Otra opción es poner en tu dominio una página con un diseño muy sencillo y una breve descripción de quien eres. Dependiendo del tiempo (o esfuerzo) que quieras dedicarle a esta página puedes mostrar tus trabajos de diferente manera:

• Una simple lista de enlaces a tus trabajos publicados.
• Un enlace a tu cuenta de Linkedin, Xing o similar para mostrar tu CV y otro a una cuenta de Flickr donde subas tus diseños. 
• Un enlace a un PDF con tu CV y trabajos seleccionados.

Algunos ejemplos de este tipo de web son la portada de la web de Miguel Ripoll o la página de Alejandro Monge. En la sección de Coming soon de Design Meltdown podreis ver más ejemplos.

Galería de imágenes

Existen galerías muy vistosas tanto en  javascript (Galleria, FS Gallery o Slideviewer) como en flash (Slideshowpro). Fáciles de configurar y rápidas de personalizar te permitirán tener una muestra de tus trabajos en tu dominio en apenas unas horas.

Webs especializadas

Estas webs te permiten crear un porfolio de forma rápida y sencilla . A diferencia de las redes creativas este tipo de páginas no suelen poner su propia identidad corporativa en tu porfolio, ofrecen la posibilidad de escoger entre distintos diseños y éstos suelen ser más asépticos (tu trabajo destaca más). Dos buenas opciones son Carbonmade y Finalcrit. 

Cómprate un diseño

Si necesitas de manera rápida algo con más funcionalidad puedes optar por comprar una plantilla de diseño sencillo, tunearla ligeramente con tu identidad corporativa y rellenarla con tus trabajos. Existen muy buenas opciones a un precio razonable tanto en HTML plano como para WordPress o Flash. ¿Es triste ser diseñador y usar el diseño de otro? Sí, pero más triste es no tener nada de nada y al final lo que cuenta es el trabajo que vas a mostrar.

En el día a día del trabajo surgen situaciones que a veces nos hacen arrepentirnos de nuestra profesión e incluso provocan que sigamos enfadados cuando termina la jornada laboral: diseños rechazados, cambios estúpidos, proyectos aburridos, etc.  Estos 5 consejos pretenden hacerte la vida de diseñador un poco más fácil y evitar esos pequeños disgustos diarios que te van quemando poco a poco.

No presentes un diseño terminado al 100%

Muestra al cliente un boceto antes de enseñarle un diseño completamente terminado siempre que puedas. Si le enseñas el diseño final hay muchas probabilidades de que los detalles no le dejen apreciar el total del conjunto, seguramente no le gustará la foto escogida, o el color secundario, o  la organización de los contenidos… No será capaz de imaginarse el diseño cambiando los detalles que no le gustan, te tirará la propuesta al completo. El problema es que el cliente no ha participado en el proceso del diseño y por tanto no se siente implicado, no siente el resultado final como suyo.

Haz que el cliente se implique. Enséñale un boceto, un wireframe, explícale como va a ser el diseño final, véndele la idea y deja que haga sus propias sugerencias. Puede que al final el diseño no acabe siendo totalmente como tú lo habías imaginado, pero el cliente lo sentirá como suyo y estará realmente satisfecho con él.

Escoge los cambios que te van a pedir

No siempre puedes mostrar un boceto al cliente, la mayoría de las veces tienes un par de días para hacer un diseño y necesitas presentar algo terminado. Lo más normal es que el cliente pida cambios sobre el diseño que le presentes, algunas veces para sentir que ha colaborado en algo del proceso como he comentado en el punto anterior, otras por una extraña necesidad de justificar su puesto. Un compañero de trabajo lo definió hace tiempo con la frase perfecta: “ya sabes que el cliente siempre tiene que echar su meadita”.

Como a los clientes los carga el demonio lo más probable es que “su meadita” te obligue a modificar los detalles que más te gustan y en los que más has trabajado. Pero la situación no queda totalmente fuera de tu control sino que puedes influir en los cambios que te van a pedir. Deja algunos puntos de tu diseño sin pulir, una foto con una pose demasiado forzada, un módulo con un color que no termina de encajar, un botón demasiado llamativo o una llamada a la acción poco destacada, etc. El cliente se centrará en esos aspectos que evidentemente tienen que ser mejorados y lo más seguro es que deje en paz el resto de elementos (pero no te pases o rechazarán el diseño al completo). ¿Funciona? No siempre pero sí en la mayoría de las ocasiones, es una técnica a la que se le coge el tranquillo con la práctica.

Diseña teniendo en cuenta los puntos débiles

Todos hemos tenido que hacer algún diseño partiendo de un logo o un producto realmente horrible. La primera reacción es hacerlos realmente pequeños y marginarlos en alguna esquina de la maqueta con la esperanza de que pasen desapercibidos. Nunca funciona, el cliente siempre te va a pedir que lo hagas MÁS grande. Y además con razón, si te han encargado una web es para vender su producto no para vender tu diseño.

Tu trabajo como diseñador gráfico es resolver problemas. Si el logo es feo y lo haces minúsculo no resuelves el problema, sólo lo enmascaras en parte. Si tu diseño sólo funciona mientras el logo sea pequeño estás trabajando para ti mismo y no para el cliente. Empieza tu diseño con el logo/producto bien grande, tómalo como un reto. Puede que no sea el proyecto estrella de tu portfolio pero el diseño final será mucho mejor que si optas por esconder ciertos elementos y al final el cliente te pide aumentarlos. 

No te tomes tu trabajo demasiado en serio

Conozco diseñadores a los que se les llevan los demonios cada vez que les piden cambios estúpidos. Todos intentamos hacer bien nuestro trabajo y nos duele cuando se cuestionan algunas de nuestra decisiones pero hay que disgustarse en su justa medida. Me refiero a que nuestra profesión tampoco es que vaya a salvar el mundo, la mayoría de nosotros al final diseñamos para que se vendan más coches, refrescos, detergentes, hipotecas…

Escoge bien en que batallas debes pelear, cuando merece la pena dar todos tus argumentos para defender un diseño y cuando debes respirar hondo, hacer los cambios sin darle mucha importancia, e irte a tu casa a disfrutar de la tarde sin cabrearte porque “el cliente XXX quiere el diseño naranja en vez de azul”. No dejes que los cambios estúpidos te impidan disfrutar de esta profesión, demasiada gente se quema muy rápido en este mundillo.

Tómate tu trabajo en serio

Vaya, que contradicción ¿no? :D

No esperes al “proyecto soñado” para darlo todo. Parece que siempre estamos esperando al proyecto perfecto para el cliente perfecto para demostrar de lo que realmente somos capaces. Lo más probable es que ese proyecto nunca llegue, dudo incluso que exista. Hazlo lo mejor que puedas para el proyecto en el que estés trabajando en cada momento, no caigas en la desidia de “acabemos esto cuanto antes, cuando diseñe algo para Nike haré algo realmente bueno”. Puede que no tengas trabajos brillantes en tu portfolio pero tendrás la satisfacción personal de haberlo hecho siempre lo mejor posible.

BBVA Mobility Office

No es posible ver esta web online puesto que se ha desarrollado para la intranet de BBVA. El objetivo de la misma era promover el uso de aplicaciones en los smart phones que la empresa proporciona a los empleados, además de promocionar las actividades del propio Departamento de Movilidad. Opté por un diseño limpio y sencillo usando la paleta de colores corporativos de BBVA, todas las fotos de las cabeceras son escenas en movimiento y de ambientes ajenos a las oficinas.

Además el departamento de movilidad de BBVA nos pidió diseñar un set de iconos para algunas de las aplicaciones que han desarrollado y que se instalan por defecto en los móviles de empresa. Estos están realizados en Photoshop utilizando sobre todo formas vectoriales y efectos de capa, el tamaño grande (64x64px) es para Blackberry Bold y los pequeños (32x32px) para el resto de terminales utilizados. Reconozco que diseñar iconos, aunque pueda parecer un trabajo menor, es una de mis tareas favoritas.

L’Oréal en Pasarela Cibeles

Con motivo del 10º aniversario de L’Oréal como maquillador oficial de Pasarela Cibeles el departamento de marketing quería desarrollar un blog desde el que contar el desarrollo del evento día a día. Lo que comenzó siendo un simple blog al final se ha convertido prácticamente en un minisite al ir añadiendo información sobre el 10º aniversario y distintas promociones, así como fotos y vídeos sobre maquillaje. Además la web va acompañada con la creación de un canal en Youtube y un perfil de Flickr, dos de mis compañeros de Nurun están ahora mismo en Pasarela Cibeles grabando los vídeos y haciendo las fotos que se suben dos veces al día al blog. Al parecer la web está teniendo bastante éxito pues el primer día tras su publicación se recibieron 12.000 visitas y ni siquiera se habían enviado los newsletters informativos ni había salido la campaña de banners.

En cuanto al diseño quise replicar en cierta manera la pasarela sobre la que caminan las modelos con el uso de formas tridimensionales. Nos indicaron que teníamos que ceñirnos a la imagen de L’Oréal lo cual implicaba usar sobre todo negro y grises como paleta de colores. Sin embargo el logo de Cibeles Fashion Week utilizaba el fucsia y decidí arriesgarme con una paleta de rosas-púrpuras y el dorado que se usaba en la campaña del producto que querían promocionar (Visible Lift), la verdad es que tuve suerte y la gama de colores gustó mucho al cliente. También ayudó mucho la calidad de las fotografías que nos proporcionó L’Oréal, no es lo mismo tener una foto de iStockphoto que una de Linda Evangelista :)

La situación económica actual ha provocado un aumento de la competencia a la hora de encontrar un puesto de trabajo en el sector del diseño web. De esta manera la formación se convierte en un elemento diferenciador que cada vez tiene más importancia.

Nunca he tenido una ”educación formal” en diseño gráfico/web, en realidad soy licenciada en Ciencias Ambientales. Como mucha gente en este sector soy autodidacta y he aprendido lo que sé día a día en el trabajo. Después de haber tenido muchos compañeros de trabajo en similar situación estoy convencida de que los autodidactas tenemos mayor capacidad para seguir aprendiendo y mantenernos al día, y sin embargo a menudo echo de menos no haber tenido formación relacionada con el trabajo que desempeño. El carecer de educación formal no me convierte en peor profesional en la actualidad, pero si hubiera tenido una base de conocimientos en diseño me habría ahorrado mucho tiempo y muchos tropezones. Es posible que ahora mi carrera se encontrara en un escalón superior, quien sabe…

La formación es más importante que nunca

Y en mi opinión va a ganar mucho peso en los criterios que las empresas evalúan a la hora de contratar un perfil junior. Evidentemente la situación ahora mismo no es igual que en el 2000, cuando empecé a trabajar. En aquel momento el sector en España estaba en pañales y las empresas contrataban prácticamente cualquier perfil sabiendo que iban a tener que formarles desde cero. Tampoco tiene nada que ver con hace 6 meses cuando el crecimiento económico y la escasez de profesionales convertía la tarea de encontrar empleo con un sueldo muy jugoso en un juego de niños. Cubrir una vacante era tan difícil que he visto más de una vez gente que entraba cobrando un sueldo mayor que compañeros más capacitados. Sin embargo ahora mismo muchas agencias interactivas y de publicidad están despidiendo gente y aunque el sector siga creciendo (o eso dicen las publicaciones especializadas) la competencia por los puestos de trabajo va a ser dura.

Si buscas tu primer empleo y por tanto no tienes años de experiencia que te avalen tu mejor arma es la formación. Y hay que ponerse las pilas, con asistir todos los días a un master y atender al profesor no basta. Para trabajar en diseño web hay que aprender e interiorizar muchas disciplinas muy dispares que además están en constante evolución, es necesario dedicarle muchas horas en casa una vez que sales de la clase.

Las mejores escuelas en “estudios digitales” 

Dado que me encanta aprender siempre he jugado con la idea de volver a estudiar, esta vez algo que me fuera útil para mi empleo actual. A lo largo de los años he ido recopilando una lista de las escuelas en las que me encantaría inscribirme, bien por opiniones que he ido leyendo por la red, por los contenidos de sus páginas web o por la calidad de los portfolios de sus estudiantes. Si puedes escoger dónde formate te recomiendo que consideres alguna de las siguientes. Una advertencia, dado que nunca he sido muy realista en la elaboración de esta lista puede que la selección sea algo elitista y reconozco que la mayoría de estas escuelas al encontrarse en el extranjero y ser privadas no están al alcance de cualquiera.

• Hyperisland: ¿acaso los suecos lo hacen todo bien? Como puedes leer en su catálogo de estudios es una escuela centrada en enseñarte a aprender y a resolver problemas, enfocada en las habilidades que vas a necesitar en las situaciones que se pueden dar en una agencia y no tanto en enseñarte un software determinado (que al final estará obsoleto para cuando termines la carrera). También tienen cursos muy interesantes para profesionales. El mayor problema es que independientemente de que te la puedas pagar y hables el inglés necesario, entrar es difícil.
• London College of Communication: Londres es una de mis ciudades favoritas y opino que simplemente estudiar allí, sea lo que sea, ya merece la pena. Pero es que además su “University of the arts” (a la que pertenece el College of Communication) está considerada una de las mejores del mundo y tienen muchos años de experiencia en enseñanza de medios digitales. Su master en  Medios Interactivos tiene muy buena pinta y además reservan un tercio de las plazas para estudiantes de la Unión Europea. El master se divide en tres fases en las que se centran en tecnologías, habilidades e investigación.
• California college of the arts: reconozcamos que además del contenido que ofrece la escuela su ubicación puede jugar un papel muy importante. El clima en Inglaterra o Suecia puede fácilmente provocarte una depresión que te obligue a hacer las maletas de vuelta el primer mes pero es difícil que eso ocurra en California. Su programa puede estar menos orientado al diseño interactivo y más al gráfico pero no olvidemos que muchas empresas pioneras proceden de la zona y eso se tiene que respirar en el ambiente.

Otras opciones interesantes:

• Design Academy Eindhoven (Holanda)
• ESDI Brasil
• Musashino Art University (Japón)
• NYU Interactive Telcommunications Program

Incluso tu diseño favorito puede provocarte pesadillas si tienes que desarrollar 30 plantillas en Photoshop para todas y cada una de las pantallas internas. Ese banner que tanto disfrutaste animando se convierte en un suplicio cuando tienes que hacer 10 adaptaciones a distintos formatos. ¿Y a quién le gusta diseñar un newsletter tras otro? Lo cierto es que todos sufrimos temporadas en las cuales nuestro trabajo es mortalmente aburrido (en Nurun solemos llamarlo la “fase churrero”) y uno fantasea con el famoso chiringuito en la playa.

Cambiar de empleo puede ser la solución si los proyectos que entran en tu empresa nunca son interesantes y temes quedarte estancado. Sin embargo lo más habitual es que el trabajo rutinario venga por ciclos, al final cualquier proyecto en cualquier agencia siempre tiene una fase donde el trabajo a desarrollar es más mecánico. Incluso hay temporadas enteras del año, como el verano, que son bastante soporíferas.

En estos casos lo mejor es dejar de lloriquear y comenzar un proyecto personal ¿acaso tu empleo tiene el monopolio sobre tu creatividad? Es el momento de llevar a cabo esas ideas que se te ocurren en el metro, en la ducha e incluso mientras haces esos 10 formatos de banners. 

Los proyectos personales hacen el bien:

• Como ya he dicho son una vía de escape en temporadas de trabajo no creativo.
• Sirven como laboratorio de experimentación para ideas que no puedes (o te atreves) a aplicar en la agencia. Si la idea funciona podrás aplicarla más tarde en algún proyecto del trabajo.
• Nos obligan y nos proporcionan la motivación para aprender alguna nueva técnica o tecnología. Son un entrenamiento para estar al día.
• Muchas veces los trabajos del día a día no son precisamente los que te ayudan a contruir un portfolio impresionante. Los proyectos personales pueden ayudar a promocionarte y demostrar lo que eres capaz de hacer “con el ambiente adecuado”.
• Satisfacen nuestro ego. Trabajas tú sólo, para ti mismo y sin interferencias ni opiniones de nadie (a no ser que quieras pedirlas). Todo el mérito para ti :)

Recuerda que no tienen que estar necesariamente relacionados con el diseño gráfico, pueden ir desde hacer un reportaje fotográfico a decorar tu salón, pasando por los cuadros de miga de pan o pintar camisetas. El objetivo es borrar esa sensación tan molesta de no aprender nada nuevo y tener un trabajo creativo que te sientas orgulloso de mostrar (hay que reconocerlo, nuestro ego es GRANDE).

Aunque casi más difícil que empezar un proyecto personal es llegar a terminarlo, pero eso será otro post…

Para un diseñador gráfico internet ofrece múltiples vías para generar ingresos extra. Y no estoy hablando de compaginar el trabajo de oficina con proyectos freelance sino maneras mucho menos estresantes.

Vender imágenes de stock

Aunque hace unos años el stock iba asociado principalmente a la fotografía hoy en día es posible vender muchos otros formatos: ilustraciones, vídeo, audio, archivos flash… Además, gracias a los sitios de microstock, ahora cualquier diseñador puede acceder a la venta de stock a través de internet.

El mejor sitio que conozco para vender stock de fotografía e ilustración es iStockPhoto. Para que os hagais una idea del potencial para generar ingresos os pongo algunas estadísticas de mi cuenta:

• En 2007 con 27 ilustraciones en el porfolio mis ventas alzanzaron 327$, una cantidad pírrica.
• En 2008, a un mes de terminar el año, y con 43 ilustraciones a la venta los ingresos han sido de 1022$. Empieza a ser una cantidad que me alcanza para comprarme algunos caprichos: libros de diseño, comics, muñecos, camisetas…

Una progresión interesante teniendo en cuenta que mi porfolio de iStockphoto no está enfocado al tipo de ilustración que más vende, simplemente subo aquellos dibujos que me apetece hacer ”por amor al arte” y algunos que he hecho para trabajos que no he cobrado por ser para amigos. Por ejemplo un porfolio dedicado a iconos o motion graphics puede llegar a generar mucho dinero.

Si te parece que las webs de microstock no pagan suficiente en Nuzart puedes subir tus obras y determinar cuánto cobrar por ellas. Los usuarios compran aquellas obras que les gustan y deciden en formato de reproducción.

Vende plantillas para páginas web

Puede que no sepas hacer fotos, ni vídeos, ni dibujar, ni programar flash… pero si estás leyendo este blog seguro que sabes diseñar páginas web. Algunas páginas como Themeforest expanden el concepto de microstock a las plantillas web. Puede ser una manera de rentabilizar todos esos diseños que has hecho para tu porfolio personal y nunca has publicado :P

¿Sabes hacer algo sólido?

Quizás eres el rey de los trabajos manuales. Por ejemplo Mónica de OrganicFields a veces vende figuritas y láminas con sus ilustraciones a través de un blog dedicado.

Si en tu tiempo libre te dedicas a hacer figuritas, bisutería, broches de fieltro, tejer bufandas… Etsy es la web que te permitirá vender estos artículos. Otras posibilidades son hacer pegatinas, tarjetas de felicitación, libros de fotografía… aunque requieren una inversión inicial y por tanto conllevan el riesgo de perder dinero.

Publicidad contextual

Si tienes muchas visitas en tu web Adsense puede ser una forma de generar ingresos, algunos se han hecho ricos con la publicidad contextual. Por otro lado y a diferencia de los puntos anteriores requiere un trabajo constante en generación de contenidos de calidad y posicionamiento para atraer más visitas.

Si te decides por la publidad contextual Google Lady tiene una serie de artículos que te ayudarán a empezar desde cero y además trata otros métodos menos conocidos que Adsense pero que pueden ser igual de rentables.

Escribe un tutorial o un artículo

Si tienes soltura con el inglés algunas webs como PSDTuts, VECTORTuts o NETTuts pagan hasta 150$ por cada tutorial publicado y no es necesario ser uno de sus escritores habituales. No conozco páginas similares en español pero algunas revistas off como Arte y Diseño suelen estar interesadas en artículos que puedan publicar. Yo escribí un artículo para ellos hace unos 4 años y estaban muy bien pagados.

Escribe un manual

O un libro, si te sientes con fuerzas. Escoge un tema que domines, puede ser un manual de CSS para diseñadores, de técnicas de ilustración digital, de HTML para móviles, de campañas en redes sociales… Para escoger el tema adecuado puedes guiarte por aquellas dudas que más te preguntan tus compañeros de trabajo o aquellas que más surgen en foros.

El esfuerzo inicial es alto pero si funciona bien puede generar dinero por diferentes vías: venta como PDF, venta como libro impreso a través de Lulu, conferencias en eventos de diseño, etc. En el blog de 37signals tienen un artículo muy interesante sobre este tema: Making money twice.

No olvides que…

• Ninguno de estos métodos te va a generar un pago inmediato de 1000€ como puede hacer un proyecto freelance. El lado bueno es que requieren mucha menos atención, si tienes tiempo y te apetece se lo dedicas, y si no lo tienes no hay ningún cliente exigiendo una fecha de entrega.
• Cuanto más tiempo y esfuerzo le dediques mas dinero conseguirás, pero además en el caso del microstock el goteo de euros continuará aunque te pases unos meses tocándote las narices.
• Ten paciencia, no esperes obtener cientos de euros al segundo día… ni al segundo mes.

Si estás interesado en seguir leyendo sobre el tema en Notbythehour lo tratan de manera más extensa, añadiendo algunos métodos que pueden ser más adecuados para escritores o programadores.

La mayoría de los diseñadores somos perfeccionistas patológicos. Por suerte, la mayor parte del tiempo trabajamos para otras personas: las fechas de entrega, las guías de identidad corporativa, los formatos y tecnologías acordados nos ayudan a mantener los pies en el suelo y el perfeccionismo a raya. Todas estas limitaciones desaparecen a la hora de publicar un porfolio personal y muchos profesionales entran en un bucle infinito de diseños que no llegan a ver la luz porque nunca son “lo bastante buenos”. Sin embargo es posible poner esta patología a trabajar a tu favor. 

“En casa del herrero cuchillo de palo” es el refrán que uno puede encontrar en la mitad de los dominios adquiridos por diseñadores web. En nuestra defensa solemos esgrimir que no disponemos de tiempo para diseñar nuestro propio porfolio, pero esto no es del todo cierto; casi todos tenemos almacenados de 4 a 8 diseños para páginas personales que se han ido quedando por el camino. He oído la misma historia en boca de distintos diseñadores una y otra vez:

1. Tienes un rato libre y te sientas a diseñar.
2. Mientras lo estás diseñando te parece la leche.
3. Lo dejas a medias para terminarlo o maquetarlo cuando tengas otro hueco.
4. Una semana o un mes más tarde lo vuelves a abrir y te parece que el diseño apesta, incluso es probable que durante ese lapso hayas tenido una idea completamente distinta.
5. Lo tiras y vuelves a empezar de cero.

…y así hasta el infinito. Yo misma pasé por este proceso a la hora de publicar las dos versiones de mi página personal, la primera vez me llevó 2 años, la segunda 4. Lo gracioso es que cuanto más mejoraban mis capacidades como diseñadora más exigente me volvía con mi propio porfolio y no conseguía terminar ningún diseño. Y por fin este verano me encontré con el concepto de Kaizen.

El Kaizen es una estrategia oriental enfocada a la mejora continua de la calidad en el trabajo mediante pequeños pasos. ¿Y cómo demonios se aplica esto a la hora de publicar una web? Pues en mi caso el truco estuvo simplemente en maquetar y poner online el último diseño que tenía en ese momento, aunque ni siquiera estaba terminado y me encontraba en ese momento del proceso en que lo odiaba. Ahora cada vez que tengo un rato libre invierto mi afán de perfeccionismo en ir mejorando poco a poco el porfolio, mucho más productivo que empezar un diseño nuevo una y otra vez. Y estoy aprendiendo a quererlo poco a poco :D

Los primeros pasos que he ido dando en PIENSA en PIXELS:

1. La web comenzó con el porfolio de trabajos y el perfil profesional. Aproveché el tiempo invertido a lo largo del año en distintas redes sociales (LinkedIn, Twitter, Behance, etc) para contar algo más sobre mí sin necesidad de ponerlo todo en la página. Lo maqueté y subí todo en un día a principios de Agosto.
2. Tenía claro que quería comenzar un blog pero debía aprender a manejar WordPress y escribir un par de posts para no salir de vacío. Por otro lado no tenía sentido retrasar la puesta online de las otras secciones hasta que encontrase tiempo para escribir los artículos. Finalmente hice público el blog dos meses después que el resto de la web.
3. Añadí el favicon para navegadores y otro para iPhone. 
4. A través de Mofuse hice la versión móvil de mi web.
5. Comencé a enviar la web a repositorios de diseño para darla a conocer.
6. Cambié el esquema de colores del blog puesto que era incómodo de leer sobre fondo oscuro.
7. Hice mejoras en WordPress para facilitar el posicionamiento.
8. Hice pequeños cambios en el diseño (sobre todo de tipografías).

No creo que esta web alcance nunca una versión final pero en cada pequeño cambio irá mejorando. Recuerda que tu página personal, a diferencia de un diseño entregado a un cliente o un material impreso en el que ya no puedes enmendar tus errores, puede evolucionar y cambiar continuamente.

Los diseñadores nos quejamos amargamente cuando nos rechazan o piden modificaciones sobre nuestros diseños. Cuando esto sucede lo solemos atribuir, con demasiada facilidad, al “mal gusto”, “falta de criterio” o simplemente “ganas de incordiar” del cliente. No digo que las razones del mismo sean siempre acertadas, sin embargo me sorprende cuan a menudo se presenta un diseño sin un racional creativo que lo respalde. Un buen racional es tu mejor arma para vender tu trabajo y es imprescindible.

A la mayoría de los diseñadores no nos resulta fácil sentarnos a escribir una justificación de nuestro trabajo dado que estamos acostumbrados a comunicarnos de manera visual. A la hora de diseñar tomamos muchas decisiones por intuición y nos parece que no existe una razón lógica tras las mismas. Sin embargo esta intuición no es más que el resultado de lo que hemos ido aprendiendo a lo largo de los años, nos permite comprender y tener en cuenta grandes cantidades de información para aplicarla a nuestro proceso de trabajo sin esfuerzo aparente. De esta manera, aunque te parezca que desarrollas tus diseños de manera “inconsciente”, siempre hay una razón detrás de tus decisiones y es necesario explicársela al cliente.

Si el mejor argumento que puedes esgrimir para justificar la elección de una paleta de colores o una tipografía determinada es que “quedaba bonito” te arriesgas a recibir la clásica respuesta de “no me gusta”, y no podrás rebatirla. Analizar tu propio diseño y justificar la elección de los elementos gráficos usados es un ejercicio necesario:

• Te ayuda a ordenar tus ideas para defender la gráfica ante el cliente.
• A veces la persona a la que presentas el diseño ni siquiera es la que toma la decisión final y ella misma necesita argumentos para explicar tu trabajo ante sus superiores.
• Eres un profesional y por tanto no tomas las decisiones al azar sino que existen razones de peso tras las mismas, es muy importante que el cliente comprenda esto. Ya sé que este punto debería darse por supuesto, pero todos hemos sufrido clientes que parecían no entenderlo.
• Evita que se pidan una retahila de cambios sin sentido.

Estructura del racional creativo

Bien, está claro que hay que escribirlo pero ¿por dónde empezar? A la hora de explicar los elementos gráficos de un diseño normalmente sigo la siguiente estructura:

• Antecendentes
  A veces es útil hacer un breve resumen sobre la situación que precede a nuestro trabajo, exponer los problemas que han hecho necesario proponer un nuevo diseño.
• Objetivos
  Cuáles son las metas que pretendemos alcanzar con este nuevo diseño: mejorar la usabilidad, una imagen más moderna, apoyar nuevos contenidos, promocionar un determinado servicio o producto, etc.
• Descripción
  Con los anteriores puntos es posible que no le cuentes al cliente nada que él mismo no sepa ya. El auténtico valor añadido viene en esta sección, es el momento de explicar cómo los elementos del diseño ayudan a la consecución de los objetivos propuestos.
  • Impresión general: un diseño puede ser  limpio, sencillo, vibrante, alegre, sucio, árido, urbano, oscuro… Intenta relacionar el estilo escogido con el caracter de la marca, el target al que va dirigido o las funcionalidades que va a tener el site.
  • ¿Existe un tema o metáfora?
  • Layout: habla de la retícula escogida y su utilidad para organizar contenidos. Si no existe una retícula definida (no todos los sites la necesitan) explica un poco el porqué de la distribución de los elementos de una determinada manera. Si el layout da mucha importancia a las áreas vacías y el espacio en blanco explica por qué es necesario.
  • Paleta de colores: puede ser acorde a la identidad corporativa de la marca o no. Justifica la elección de una paleta fría, cálida, monocromática, variada… Comenta si has usado el color como ayuda para separar contenido o enfatizar información.
  • Tipografía: serif, sans-serif, clásica, contemporánea, legible, corporativa… Este puede ser el momento de hablar cómo el tamaño de la misma apoya la jerarquía de los contenidos.
  • Fotografía/ilustración: El uso de fotografía o ilustración representa una oportunidad única para conectar con nuestra audiencia. Puedes escribir sobre cómo las imágenes que has usado apoyan un determinado concepto, van dirigidas a cierto target o puede que simplemente estén en consonancia con la paleta de colores.

Información adicional

• Contra las justificaciones forzadas.
  Jorge Gaitto hace una reflexión muy interesante sobre el uso de términos demasiado abstractos y un poco traídos por los pelos a la hora de intentar justificar un diseño.
• Design Psychology
  Aunque este artículo no trata exactamente sobre la justificación sí puede dar algunas pistas a la hora de qué puntos cubrir en el racional. El mismo autor tiene varias entradas dedicadas a rediseños ficticios (White House, Google, Wall Street Journal) con unos racionales impecables.
• Can you justify design decisions?

Amateurs look for inspiration; the rest of us just get up and go to work

Chuck Close (pintor)

¿Acaso alguien no lo ha sufrido alguna vez? Me refiero a esa parálisis psicológica que todos hemos sentido a la hora de comenzar un trabajo desde cero, el clásico “no se me ocurre nada”. En el caso de los diseñadores gráficos sería más propio llamarlo “el síndrome del lienzo de Photoshop en blanco”.

Es un problema tan habitual que es bastante fácil encontrar información sobre el tema, en entrevistas a diseñadores, revistas, blogs, etc. Reconozco que las soluciones al bloqueo creativo que suelo leer en estos medios me hacen bastante gracia: da un paseo, lee una novela o ponte a escuchar discos, reorganiza tu escritorio… son consejos que veo aparecer una y otra vez. No es que dude de la efectividad de los mismos, es simplemente que me parecen muy difíciles de aplicar en mi día a día. Tras 8 años de trabajo puedo contar con los dedos de la mano las veces que he tenido más de 3 días para hacer un diseño, lo más habitual es que disponga de 2 y muchas más veces de las que me gustaría he tenido que sacar un diseño adelante de un día para otro.

Es posible que en otros sectores o países el ritmo sea menos frenético pero siempre que he hablado con otros compañeros de profesión he encontrado que manejan unos plazos muy similares a los míos. Me encantaría ver la cara de mi jefe si un día le digo ”Oye mira, que no se me ocurre nada para esto que tienes que presentar mañana al cliente, voy a darme un paseo de un par de horas por el Retiro a ver si me viene algo ¿eh?”. Por desgracia en estas situaciones es más habitual sufrir un bloqueo, un poquito de presión puede estimular tu creatividad pero demasiada provocará un apagón.

No es mi intención cuestionar en este post si es razonable o no diseñar una web en dos días, creo que la respuesta es bastante evidente. Simplemente quiero compartir los trucos que pueden funcionar (a mí me funcionan) cuando uno se encuentra en semejante situación.

1. A veces estamos demasiado centrados en “que se nos ocurra algo” y basta simplemente con empezar. Lo más rápido es tirar de papel y lápiz, puedes imprimir unas cuantas copias de estas plantillas de retículas y bocetar rápidamente. Dedícale solo 15 minutos, el objetivo es conseguir 10 o 15 bocetos sin mucho detalle, simplemente la estructura general y distribución de contenidos. A continuación escoge uno que te convenza y pásate al ordenador.
2. Escoge una paleta de colores sencilla, por ejemplo de kuler.adobe.com. Con suerte el cliente tendrá un manual de identidad corporativa y no tendrás que estrujarte mucho el cerebro. Está claro que no es tu día de máxima inspiración así que no escojas nada demasiado difícil de combinar, un color predominante que puedas usar en diferentes intensidades y otro diferente para usar en detalles y dar contraste.
3. No te enquistes en los detalles, son un sumidero de tiempo. Recuerdo una vez que tenía que tener listo un diseño para las 19:00 (el responsable de la cuenta se lo tenía que llevar al día siguiente al cliente e iba a trabajar durante la noche en la presentación) y a las 13:00 lo único que tenía en mi pantalla era el menú de navegación de la web. Eso sí, monísimo, con sus pestañas, sus esquinas redondeadas, degradados, sombritas… podía notar el pánico trepando por mi garganta.
4. Haz una mierda, mírala y pregúntate qué es exactamente lo que hace que sea una mierda. Nada global, intenta centrarte en algún aspecto: color, fotografías, efectos, iconos, estructura, tipografía… Cambia ese aspecto para que sea menos malo y vuelve a empezar. Si no eres capaz de ver nada en particular pídele a tu compañero de mesa que te diga por qué es una mierda.
5. Ten muy claro donde poner el listón: no vas a hacer el diseño de tu vida en un día, tira con lo primero que te venga a la cabeza aunque no sea muy bueno. Utiliza recursos conocidos y que te hayan funcionado en otras ocasiones. No te obsesiones, eres capaz de hacer algo mejor pero simplemente este no es el momento.
6. Hazte una carpeta donde guardar fotografías, ilustraciones, gráficas, capturas de webs que te gusten. Muchas veces al navegar vemos un efecto o solución que nos gustaría aplicar en alguno de nuestros diseños: guárdalo en ese momento o lo más probable es que lo olvides en un par de días. Échale un vistazo rápido a la carpeta cuando estés bloqueado, puede darte alguna idea.
7. Recicla un diseño que hiciste para otro cliente. Puede que no sea lo más correcto del mundo pero lo cierto es que a veces invertimos una semana en desarrollar propuestas muy buenas que finalmente terminan no saliendo por diferentes razones. En mi caso creo que terminan publicándose 1 de cada 4 diseños que hago, sin embargo guardo los PSDs de todos y puedo decir que me han sacado de un apuro en más de una ocasión.

Ante todo no pierdas el sentido del humor y recuerda que no te va la vida en ello. Con el tiempo yo he aprendido a reirme de “aquella vez que diseñé una web en 8 horas y gasté 5 en hacer un menú” ;)

Si bien es cierto que los trucos que he listado no suelen fallarme, cada persona es un mundo. Si quieres conocer otros puntos de vista te recomiendo leer los siguientes artículos:

• 9 ideas para combatir la falta de ideas
• Beat the creative block
• Blockbusting
• Fightting off design stagnation
• Getting unstuck
• 5 ways to battle creative blocks (para escritores)